9 de septiembre de 2014

Victoria, un réquiem para María




El escritor novel, Juan Diego Ortiz, ha escrito una novela sobre la vida de Tomás Luis de Victoria y el momento de la composición del Officium Defunctorum, su última obra. A la vez, en la novela se cuenta la historia de un cantante, un tenor que entra a formar parte de uno de los mejores coros del mundo donde va a dedicar mucho tiempo a montar una integral de Victoria. Es una NOVELA MUSICAL ya que los capítulos siguen la estructura musical y temática de la obra de Victoria. 




La obra no está aún publicada;  para que ésta vea la luz y pueda ser leída por mucha gente necesita conseguir 100 apoyos económicos ( desde 7€ ) en la campaña de CROWDFUNDING (micromecenazgo) que la editorial libros.com ha lanzado par editar su novela. En este enlace se puede acceder para apoyar la obra y que ésta pueda algún día ser finalmente publicada. 
Sería interesante que todos los que amamos la música y la historia de nuestro abulense universal contribuyeramos a su difusión; pues para los amantes de la música coral y para los que admiramos a Victoria es una novela muy atractiva.



SINOPSIS

Los protagonistas del libro verán como la melodía de sus vidas suena en múltiples tonalidades musicales. Gabriel, un joven cantante que ingresa en uno de los mejores coros del mundo vivirá un triángulo amoroso con Marta, otra cantante con la que sufre una turbulenta situación de amor y desamor; y María, una joven bibliotecaria con la que terminará casándose. La historia se narra en diferentes momentos de espacio y tiempo.

En otro pentagrama, Victoria (Thome en la novela), el autor de la obra musical; y la Emperatriz María (hermana de Felipe II y viuda del emperador Maximiliano II de Austria) a la que se la dedicó, tendrán situaciones y sentimientos encontrados entre sus posiciones sociales y sus vocaciones religiosas. 
Una novela con el timbre sonoro y la espiritualidad de la obra maestra de un genio de la música del renacimiento, seguramente, el mejor músico español de todos los tiempos.

2 de septiembre de 2014

Tarantella




TARANTELA - Lucas Ruiz de Ribayaz (1626 - ?).


Arianna Savall (Arpa)
Pedro Estevan (Pandereta)


Lucas Ruiz de Ribayaz y Foncea (Santa María Ribarredonda, Burgos (España), 1626 - ?), guitarrista y compositor español. Es el autor del libro Luz y Norte musical para caminar por las cifras de la guitarra española y el arpa (1677).

Pedro Antonio Fernández de Castro y Andrade (XVII Virrey del Perú), llegó a Lima en el año de 1667, acompañado del religioso y guitarrista Lucas Ruiz de Ribayaz, al inicio de su importante carrera como músico.
El Virrey tocaba diestramente la guitarra, y era uno de los entusiastas discípulos de Ruiz de Ribayaz, quien a su regreso a Madrid publicó en 1677, Luz y Norte Musical. En el prólogo informa, que en el Perú los músicos no sabían leer las cifras o tablatura, con excepción de unos pocos que conocían la música polifónica, pero tañían diestramente la guitarra y cantaban de memoria.

En la Biblioteca Nacional de Madrid se halla la obra publicada por Ruiz de Ribayaz, que lleva éste largo título: Luz y Norte Musical para caminar por las cifras de la guitarra española y el arpa, tañer y cantar a compás por canto de órgano, y breve explicación del arte, con preceptos fáciles, indubitables y explicados con claras reglas por teórica y práctica.
Está en la Real Academia con el nº 9402, y lo componen 168 páginas, con VIII folios.

En el libro se tratan los "tañidos de rasgado para guitarra", especificando lo relativo a jácaras, folías, pavanas, villano, zarabanda, matachín, mariona, gallarda, y canarios, danza del hacha, españoleta, bailete...
Entre las composiciones transcritas, figuran paradetas, torneo, tourdion, galería del amor, vacas y pasacalles, en algunos casos con sus diferencias.

También hay diversas composiciones para arpa, cuya cifra se ordena en cuatro líneas.

La tarantella es un baile popular del sur de Italia, de las regiones italianas de Puglia, Basilicata, Calabria, Abruzzo, Molise, Campania y Sicilia y parte de Argentina. Es un baile de origen napolitano que tiene un movimiento muy vivo, acompañado de canto. Lo más probable es que su nombre se derive de la ciudad de Tarento en Apulia, aunque popularmente se suele decir que viene de la tarántula, una araña común en la región mediterránea. Es más, durante la Edad Media, en algunas partes del sur de Italia se creía que bailar el solo de la tarantela imitando el acto de espantar a la misma curaba un tipo de locura supuestamente producida por la picadura de la mayor araña europea, la llamada araña lobo o tarántula, también se cree que se simula la técnica de apareamiento de la taratula. La primera documentación escrita se encuentra en Athanasius Kircher
En su forma moderna más común, es una danza de galanteo entre parejas con una música en un compás de seis por ocho que va aumentando progresivamente su velocidad y que va acompañada de castañuelas y panderetas. Tiene dos partes bien diferenciadas: una en tono menor y otra en mayor.

18 de agosto de 2014

Alonso Mudarra - Sonetos




Alonso Mudarra (1510-1580)


Rosemarie Meister (Soprano)
Jorge Fresno (Vihuela)


SONETO I (Jorge de Montemayor)

Poesía fúnebre a manera de diálogo, inspirada en la muerte de la Princesa Doña María de Portugal, hija de Juan III y Doña Catalina y casada con Felipe II en 1543. Falleció en 1545 después de haber dado a luz al príncipe Carlos.


¿Qué llantos son aquéstos?
¿Qué fatiga es ésta?
¿Que tristeza es la que veo?
-Murió nuestra princesa, la qual,
creo que fué más de virtud, que nadie, amiga.
Como en los mesmos dioses, la enemiga
del hombre, así esecuta su deseo.
-Sí que la muerte puede, según beo,
hazer que lo mortal el alma siga.
-Pues ¿qué es de su poder y su grandeza?
Agora todo le es sin fruto y vano;
Desamparóle todo al paso fuerte.
¡O, miserable y frágil ser humano!
¡O, quán poca zeniza en tal tristeza
la llama y resplandor claro, convierte!



SONETO II (Anónimo) min.: 2:48

Si por amar, el hombre, ser amado
merece, y por querer bien, ser querido,
no sé yo por qué soy aborrecido,
mas sé que siempre duro en este estado.
Si un corazón senzillo y no doblado
merece un amor cierto y no fingido,
¡quán desdichado devo de aver sido,
pues lo que se me deve aun no me an dado.
Y si por servir siempre a porfía
se alcança galardón destos oficios
sin que más me repliques ni me alegues,
ámame, pues te adoro, y no me niegues
el galardón devido a mis servicios.



SONETO III (Garcilaso) min.: 5:11

Por ásperos caminos soy llevado
a parte, que de miedo no me muevo;
y si a mudarme a dar un paso pruevo,
allí por los cabellos soy tornado.
Mas tal estoy, que con la muerte al lado,
busco de mi vivir consejo nuevo;
conozco el mejor y el peor apruevo
o por costumbre mala o por mi hado.
De la otra parte, el breve tiempo mío
y el herrado proceso de mis años,
mi inclinación con quien ya no porfío;
la ciertamente fin de tantos daños
que hazen descuidar de mi remedio.



SONETO IV (Petrarca) min.: 7:16

La vita fugge, et non se arresta un hora;
Et la morte vien dietro a gran giornate
et le cose presente et le passate
mi danno guerra et le future ancchora.

El rimembrar, et la aspetar m'acchora;
Hor quinci hor quindi si che'n veritate,
se non chi ho di me stesso pietate,
I sarei già di questi pensier fora.
Tornami avanti se alcun dolce mai
hebbe'l cor tristo, et poi dal'altra parte
veggio al mio navigar turbati i venti:
veggio fortuna in porto et stancho homai
il mio nocchier, e rotte arbore et sarte
e i lumi bei, che mirar scioglio, spenti.


-"La vida huye sin frenar una hora
y la muerte viene tras grandes jornadas
y las cosas presentes y las pasadas,
me son hostiles, y aún todo lo futuro.
Y el recordar, y el esperar me afligen
ahora aquí, ahora allí, tal que en verdad
si no tuviera de mí mismo piedad,
estaría ya de estos pensamientos alejado.
Vuelvo a evocar, alguna alegría que hubiera
tenido tal vez el corazón infausto, y más adelante
preveo en mi navegación los vientos agitados.
Veo a Fortuna en puerto, y con fatiga
mi timonel, y rotos el mástil y las velas,
y los bellos ojos, que mirar suelo, apagados".



SONETO V (Anónimo) min.: 11:15

Lassato a il Tago su dorate arene;
Ne piu qual pria vol andar lucente;
Poscia privato si a de la excelente
Alma per che l'orbe tutto geme.

"Dejado a la arena dorada del Tajo;
No quiere andar más lúcido;
Pues se le ha privado de la excelente
Alma por la que todo el orbe gime."




SONETO VI (Iacopo Sannazaro, l'Arcadia) min.: 13:34

O gelosia d'amanti horribil freno,
che in un punto mi tiri et tien si forte;
O sorella di l'empia et cruda norte,
che con tua vista turbi il ciel sereno;

O serpenti nascosto in dolce seno
che con tue voglie mie speranze hai morte;
Tra felice successi adversa sorte;
Tra soavi vivande aspro beneno.

Di qual boca infernal nel mondo uscisti,
O crudel mostro, O peste dei mortali.
per far gli giorni miei si oscuri et tristi?

Tornate in giù, non aumentar miei mali:
infelice paura ad qui venisti?
Hor non bastaba amor con gli suoi strali?


-"Oh celos, de los amantes terrible freno,
Que en un punto me tenéis y tiráis fuerte,
Oh hermana de la impía y cruel muerte,
Que con tu vista tornas el cielo sereno.

Oh serpiente nacida en dulce seno,
Que con tu querer mi esperanza encuentra muerte;
Tras felices sucesos adversa suerte,
Tras suaves manjares recio veneno.

¿Desde qué boca infernal a este mundo llegaste,
Oh cruel monstruo, oh peste de los mortales,
Para hacer mis días más oscuros y tristes?
¡Vuelve sobre tus pasos!, no aumentes mis males,
Desdichado miedo, ¿a qué viniste?,
¿Es que no bastaba el amor con sus flechas?".



SONETO VII (Iacopo Sannazaro, l'Arcadia) min.: 16:57

Itene all'ombra degli ameni faggi,
pasciute pecorelle, omai che'l sole
sul mezzo giorno indrizza i caldi raggi.

"A la agradable sombra de las hayas,
ovejas pastan, ahora que el sol
sobre el mediodía lanza sus cálidos rayos."


Alonso Mudarra (c.1510 - 1 de abril de 1580), compositor y vihuelista español del Renacimiento. 
Hizo innovaciones tanto en música instrumental como vocal y forma parte junto con Luys de Milán, Enríquez de Valderrábano, Esteban Daza, Diego Pisador, Miguel de Fuenllana y Luis de Narváez del grupo de los siete vihuelistas españoles del siglo XVI cuya obra ha llegado hasta nosotros.
No se conoce con seguridad el lugar de su nacimiento, pero se sabe que pasó su juventud en Guadalajara, en casa de los Duques del Infantado, Diego Hurtado de Mendoza e Iñigo López, a cuyo servicio estuvo durante muchos años. Fue en ésta ciudad donde seguramente recibió educación musical.
Probablemente fue a Italia en 1529 con Carlos I de España, junto con el cuarto duque del Infantado Iñigo López.
A su regreso a España, se ordenó sacerdote en 1546 en la catedral de Sevilla, donde permaneció el resto de su vida. Mientras estuvo en la catedral, dirigió todas las actividades musicales que allí se realizaban, actividades de las cuales nos han quedado bastantes documentos, como la compra y ensamblaje de un nuevo órgano y su trabajo junto al compositor Francisco Guerrero en varios eventos.
Murió en Sevilla, y de acuerdo con su voluntad, su considerable fortuna fue repartida entre los pobres de la ciudad.

El 7 de diciembre de 1546 publicó en Sevilla el libro Tres libros de música en cifra para vihuela con piezas propias y transcripciones para vihuela y vihuela y voz de otros compositores renacentistas como Josquin Des Pres, Nicolas Gombert, Adrian Willaert, Antoine de Févin y Pedro Escobar.
Consta de 44 piezas para vihuela sola, 26 para vihuela y voz, 6 piezas para guitarra solista y una pieza para guitarra u órgano. Entre éstas composiciones hay fantasías, variaciones, tientos, pavanas, gallardas y canciones. Las canciones están escritas en latín, español e italiano e incluyen romances, villancicos y sonetos.
Entre las innovaciones que introdujo, destaca el uso de diferentes símbolos para indicar el tempo: lento, medio y rápido.
Los textos de las canciones incluyen poemas de autores españoles como Jorge Manrique (Recuerde el alma dormida), Juan Boscán (Claros y frescos ríos), Garcilaso de la Vega y otros autores anónimos (Si por amar, el hombre ser amado; Isabel, perdiste la tu faxa; ¿Qué llantos son aquestos?, etc.); italianos como Francesco Petrarca (La vita fugge) y Jacopo Sannazaro (O gelosia d'amanti) y latinos como Ovidio (Hanc tua Penelope), Horacio (Beatus ille), y Virgilio (Dulces exuviae). Entre los romances más famosos podemos citar: Triste estaba el Rey David y Durmiendo yba el Señor, los dos de autores anónimos.

La influencia italiana en la música de Mudarra es evidente en sus canciones, que recuerdan a los primeros madrigales. Estas canciones, junto a los sonetos en italiano (colecciones de sonetos de Petrarca y Sannazaro), vuelven a revivir el interés por lo italiano que había sido ya reflejado por Milán, quien también utilizó textos de esa literatura con acompañamiento de vihuela. En Mudarra encontramos ejemplos de todos los tipos de música escrita para vihuela, e incluso la única Gallarda publicada para este instrumento. En su Fantasía que contrahaze la arpa en la manera de Ludovico encontramos el primer ejemplo impreso de uso del tetracordo frigio descendente, además de un empleo muy audaz del cromatismo.

17 de agosto de 2014

Gonzalo Martínez de Bizcargui




Gonzalo Martinez de Bizcargui (1463 - 1528) teórico, tratadista y compositor.
Nacido probablemente en Azkoitia (Guipuzcoa) hacia 1460 en el seno de una familia noble. Según se deduce del testamento, murió en Azkoitia en 1528 ó 1529.
Apenas se conocen datos concretos sobre su vida y no está claro si recibió su formación en Salamanca, Pamplona o Toledo. Fue Capellán de la Iglesia de la Visitación de Burgos hasta al menos 1519.
Los dos libros de teoría musical que escribió Gonzalo, muestran un destacado interés por la música práctica: Arte de canto llano y contrapunto y canto de organo con proportiones y modos brevemente compuesta: y nuevamente añadida y glosado por Gonçalo Martinez de Bizcargui. Endereçada al muy ilustre y R. señor don Juan Rodriguez de Fonseca, arçobispo de Rosano y obispo de Burgos mi señor (Zaragoza, 1508).



Y las Intonationes segun uso de los modernos que hoy cantan et intonam en la yglesia romana (Burgos, 1515). En ellas defiende la supremacía del oído sobre el juicio especulativo y su capacidad de percibir sonidos inferiores al semitono, así como el uso del pentagrama y las reglas nemotécnicas con un fin didáctico, mostrando una postura moderna y progresista que provocó la polémica con otros teóricos del momento como Juan de Espinosa (ESPINOSA, Juan de. Tratado breve de principios de canto llano (1521c) y Mosén Francisco Tovar.



 
Su obra teórica ha sido ampliamente estudiada como testimonio de las controversias sobre la partición del semitono, lo que ha ocultado otras importantes aportaciones de su pensamiento musical.
De su obra como compositor sólo se conoce la obra Salve Regina a 4 voces que se conserva en la Catedral de Burgos y que aquí podemos escuchar en versión de la Capilla Peñaflorida dirigida por Josep Capré:

9 de julio de 2014

Emanuele Rincón d'Astorga




Emanuele Rincón d'Astorga 1680-1751[1757]

Stabat Mater para Solistas, Coro y Orquesta:

1. Stabat mater dolorosa
2. O quam tristis et afflicta
3. Quis est homo, qui non fleret
4. Eia mater, fons amoris
5. Sancta mater, istud agas
6. Fac me tecum pie flere
7. Virgo virginum praeclara
8. Fac me plagis vulnerari
9. Christe quam sit hinc exire

Ghislieri Choir & Consort
Giulio Prandi

Emanuele Rincon d’Astorga, nació el 20 de marzo de 1680 en Augusta (Sicilia), Reino de Nápoles, que a la sazón pertenecía a la Corona española; y murió en Madrid probablemente en 1757. Perteneció a una familia noble española que se instaló en Palermo.
Es conocido por su Stabat Mater, compuesto en 1707 y por sus cantatas, de las cuales han llegado a nuestros días 170.
Fue apreciado en su época no sólo por sus dotes de compositor, sino también por sus dotes como literato. En 1726 escribió y publicó un libro de doce cantatas en el que expresa la teoría de la relación entre el sonido, el ritmo y la melodía respecto a la palabra cantada.
Su primera ópera, La Moglie Nemica (La Esposa Enemiga) fue estrenada en una función privada en Palermo el año 1698.
Un tiempo más tarde discutió con su padre y dejó la ciudad donde residía para refugiarse en Roma, en casa del embajador español, donde conoció al poeta Sebastiano Biancardi, cuyas Rime (1732) contienen información sobre el Barón.
En Génova, ambos fueron robados y escribieron la ópera Dafini para obtener algo de dinero. Dafini fue estrenada con gran éxito en el Teatro Sant'Agostino. Fue representada también en otros teatros eurpeos.
Después de sus aventuras y bajo un nombre falso, Astorga fue convocado en Barcelona por el rey español Carlos III, quien era un gran estusiasta de su música; enviándolo más tarde a Viena para que trabajase como músico de la corte. 
En la segunda mitad del año 1715 regresó a Palermo para reclamar su herencia después de la muerte de su padre en 1712, llegando así a ser Barón.
Dos años más tarde llegó a ser senador de Palermo y fue nombrado governador del Ospedale degli Incurabili, siendo éste un modo de contribuir y participar en la vida cultural de la capital siciliana. Estuvo entre los fundadores de la Accademia del Buon Gusto y fue uno de los directivos del Teatro Santa Cecilia.
Se casó con Emanuela Guzzard, con quien tuvo tres hijas: Giovanna, Felicia y Maria. Pero la vida familiar duró poco, pues  en 1721 se volvió a marchar de Sicilia, tras haber gastado la dote de su esposa.
Fue posteriormente a Lisboa y al parecer pasó por Londres de camino a Bohemia. En 1744 sus tierras fueron vendidas para pagar las deudas de su esposa. 

Sus aventuras y viajes inspiraron a artistas como Johann Joseph Abert, quien compuso Astorga, ópera basada en su vida.

5 de junio de 2014

Je prens en gré la dure mort





Edigius Kwartet

Je prens en gré la dure mort
Pour vous madame,
Pour vous madame par amour,
Navré m'avez mais à grant tort
Dont de brief,
Dont de brief fineray mes jours.

La chose me vient à rebours,
Souffrir si tost la mort amère,
O dure mort,
O dure mort que faictes vous?
Mourir me faut, c'est chose claire.

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De buen grado acepto la dura muerte
por vos, señora, por amor.
Vos causasteis mi herida, gran injusticia fue
por la que pronto veré el fin de mis días.

Las cosas marchan cabeza abajo:
¿sufrir tan pronto muerte amarga?
Oh dura muerte, ¿qué hacéis, pues?
Pues he de morir, sin duda.

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Thomas Crecquillon, compositor renacentista de la Escuela francoflamenca

Se desconoce el lugar y la fecha de nacimiento, aunque se supone que fue hacia 1505 en los Países Bajos. Probablemente murió en 1557 en de Béthune durante la epidemia de peste que sufrió esta ciudad, aunque tampoco estos datos se saben con certeza.
Perteneció a la capilla musical del emperador Carlos V, aunque se discute si con la categoría de maître de chapelle o simplemente como cantor, pues los documentos de la época proporcionan datos contradictorios. Posteriormente, parece haber ocupado distintos cargos en Dendermonde, Béthune, Lovaina y Namur. A diferencia de casi todos los compositores de su tiempo, no parece haber abandonado nunca su región natal para viajar a Italia o a otras partes de Europa.

La música de Crecquillon gozó del aprecio de sus contemporáneos. Muestra un refinamiento armónico y melódico que prefigura el estilo polifónico que culminará con Palestrina. Escribió doce misas, más de cien motetes y unas doscientas chansons. Como en el caso de la obra que nos ocupa, –la cual tomó como modelo para componer su Missa Je prends en gré– estilísticamente, usó la imitación; a menudo al estilo de Josquin des Prés, especialmente en su música sacra, siguiendo la tendencia de sus contemporáneos de componer obras muy elaboradas desde el punto de vista de la imitación y la polifonía. A diferencia de Josquin, sin embargo, Crecquillon raramente persigue efectos dramáticos y prefiere que su música sea siempre suave.

Sus chansons seculares se diferencia de las de sus contemporáneos por el uso de la imitación. Las chansons de Crecquillon sirvieron de modelo para el desarrollo posterior de la forma instrumental conocida como canzona. Muchas de sus chansons fueron arregladas para instrumentos, especialmente para laúd.

Los impresores Pierre Phalèse (de Lovaina) y Tielman Susato (de Amberes) publicaron buena parte de la obra de Crecquillon y de otros compositores contemporáneos.
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Je prens en gré la dure mort, chanson
Cuatro versiones:



I. Thomas Crecquillon. Superius et tablature (soprano, harpa y laúd)
II. Antonio de Cabezón. Instrumental embelli par diminutions (bombardas y fagotes)
III. Jacobus Clemens non Papa. Chanson polyphonique à 4 (choeur seul)
IV. Antonio de Cabezón. Instrumental embelli par diminutions (consort de flautas de pico)

I. II. y IV.
Doulce Memoire
Clara Coutouly, soprano
Denis Raisin-Dadre, dirección

Album "Antonio de Cabezón: Obras De Musica", 2013 Ricercar

III.
Huelgas Ensemble
Paul Van Nevel, direction

Album "Jacob Clement", 2012 Deutsche Harmonia Mundi

3 de junio de 2014

Violoncello da spalla




Johann Sebastian Bach, Sinfonia 6 en Mi M BWV 792
Interpretado por Sergey Malov (violin, viola and violoncello da spalla)

El violoncello da spalla o violonchelo de brazo es un violonchelo pequeño de hombro, usado por algunos compositores como J. S. Bach quien lo utilizó para sus Cantatas de Leipzig, que en su versión de cinco cuerdas. Sirve además para interpretar su Suite para violonchelo solo n.º 6. Algunos investigadores creen que las 6 suites para violonchelo solo en realidad estuvieron creadas para este instrumento.

Existen otras terminologías para denominar este instrumento como violoncello, piccolo violón, bassetto, viola da spalla, viola di collo, violón da gamba, etc.

El violoncello da spalla se creó para que fuera interpretado por violinistas (poco expertos en la interpretación da gamba, con el instrumento en vertical y sujeto entre las piernas) ya que se interpretaba colocado sobre el hombro y el pecho, y tenía un tamaño mayor al de la viola actual.
Datos existentes sugieren que da spalla era la forma predominante de tocar este cello en aquella época. No obstante, hay indicios de que también se podía tocar sosteniéndolo entre las piernas. Incluso Leopold Mozart en 1756, mencionó que en su día se tocó violoncello también entre las piernas y el teórico A.Adlung, que conoció a Bach cuando tenía 18 años equipara viola da spalla con el violoncello.
Fue una curiosidad cuando se presentó en la segunda mitad del S. XVII, al parecer en los alrededores de Bolonia y lo sigue siendo hoy día. Seguramente nunca se convertirá en un instrumento común y puede que resulte difícil hacerlo sonar, pues requiere que el intérprete posea tanto una habilidad técnica formidable como musicalidad para tocarlo. Pero debido a su afinidad con el violín y el violonchelo y gracias a la música escrita para este instrumento, saldrá a la superficie de vez en cuando y siempre habrá un pequeño grupo de solistas lo suficientemente curiosos para seguir explorando qué más se puede hacer en música.

A continuación, Dmitry Badiarov hace una demostración de como funciona este instrumento:



Fuentes:
Badiarov Violins
Wikipedia