Páginas

Mostrando entradas con la etiqueta Barroco. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Barroco. Mostrar todas las entradas

16 de noviembre de 2023

Giovanni Giacomo Gastoldi

Giovanni Giacomo Gastoldi (c. 1554 - 4 de enero de 1609) fue un compositor italiano de finales del Renacimiento y principios del Barroco. Nació en Caravaggio, Lombardía. 

En 1592 sucedió a Giaches de Wert como director de coro en Santa Bárbara, Mantua, y sirvió hasta 1605 bajo el mando de los duques Guglielmo y Vincenzo Gonzaga. Según Filippo Lomazzo, Gastoldi se convirtió posteriormente en director de coro del Duomo de Milán.

Gastoldi compuso varios libros de madrigales, gran variedad de música vocal sacra y algunas obras instrumentales. 

Es particularmente notable entre sus obras vocales profanas su Quarto libro de madrigali a cinque voci (1602), que está basado casi en su totalidad en escenarios de textos de la popular tragicomedia pastoral Il pastor fido (El pastor fiel) de Battista Guarini. Según el propio Gastoldi, al menos una de las piezas de esta colección fue incluida en una representación de la obra en la corte de Mantua en noviembre de 1598, que se representó como parte de las festividades que se llevaron a cabo para la visita de la reina de España.

Sin embargo, sus obras más conocidas son los Balletti a cinque voci (1591) y los Balletti a tre voci (1594).  El Primero con título alternativo: Balletti a cinque voci con li suoi versi per cantare, sonare e ballare con una mascherata de cacciatori a sei voci e un concerto de pastori a otto, son un total de diecinueve obras. 

Incluyo aquí abajo las transcripciones extraídas de IMSLP

1. Introduttione a i Balletti
2. L’innamorato
3. Il Bell'umore
4. Il contento
5. Speme amorosa
6. Lo schernito
7. Gloria d'amore
8. Il piacere
9. L'Ardito
10. Amor vittorioso
11. Il Premiato
12. La Sirena
13. La Bellezza
14. Caccia d'amore
15. Il Martellato
16. L'Acceso
17. Mascherata de cacciatori (6 voices)
18: Canzonetta a 6 voci
19. Concerto de pastori

La obra Balletti a Cinque Voci  se publicó en Venecia en 1591 e inmediatamente se convirtió en un éxito rotundo. En poco tiempo, la colección fue reimpresa diez veces, no sólo por su editor original sino también en otros países y compositores como Vecchi, Banchieri, Hassler y Morley quedaron enormemente cautivados por esta creación musical.

La otra serie son los Balletti a tre voci, una colección más simple a priori, pero no exenta de elegancia. Son miniaturas sonoras refinadas y lúdicas dedicadas al entretenimiento de la corte.

Los balletti de Gastoldi fueron concebidos "para cantar, tocar y bailar", como puede leerse en las portadas de las ediciones impresas originales. 

Los textos son de tono amoroso, perfilando con actitud divertida y contrapunto las distintas tipologías de personajes como El alegre, El resentido, El curioso, El apasionado... así como dotando a cada uno de ellos de una atmósfera exquisita, en constante respeto por la métrica de los versos y los pasos cadenciados de la danza.

En este enlace se puede descargar las partituras editadas por mí misma:

Balletti a tre voci. 

 
Para finalizar, nos atrevemos a decir que existe una sofisticación detrás de la ingenuidad espontánea de las obras de Gastoldi, ya que todo el contenido de estas series es un derroche de sencillez, despreocupación comunicativa y sana alegría.

5 de febrero de 2018

Courante


La corrente, también llamada courante, coranto o corant es el nombre dado a una familia de danzas ternarias de finales del Renacimiento y principios del período Barroco. 

Actualmente se suelen usar estos distintos nombres para distinguir tipos de corrente (forma italiana de la palabra que designa a la danza de ese origen), pero en las fuentes originales tales pronunciaciones eran indiferentes.

A fines del Renacimiento la danza se bailaba con rápidos giros y saltos, según describe Thoinot Arbeau. Estas danzas solo eran bailadas por la élite social de la época.

Durante su uso más común, en el período barroco, la corrente tuvo dos variantes: la francesa y la italiana. El estilo francés tenía muchos acentos cruzados y era una danza lenta. La corrente italiana era más rápida, con desarrollo más libre y rápido, aunque no está claro cuáles eran las diferencias significativas con la corrente francesa del Renacimiento descrita por Arbeau.

En una suite barroca, sea italiana o francesa, la corrente típicamente se incluye entre la alemanda y la zarabanda, como segundo o tercer movimiento musical.



J. S. Bach
Cello Suite No. 2 in D Minor BWV 1008, Courante
La Courante de la Suite en D Menor está ejecutada en un violonchelo barroco inglés original y anónimo (ca. 1730) y arco barroco de Kees van Hemert, La Haya (Países Bajos) por Eva Lymenstull, ganadora de la Voices of Music International Bach Competition de 2017.

En sus suites para cello, Bach crea la combinación perfecta de los cinco sentidos musicales: expresión individual, técnica, contrapunto, ritmo y armonía.

La música ha sido infinitamente adaptada y arreglada, y cada violonchelista estudia estas composiciones en diferentes momentos de sus vidas.

Mucho se ha escrito sobre las suites, sin embargo, se sabe poco. Parece imposible que se escriban libros enteros sobre algunos restos de registros históricos, pero tal es la naturaleza de estos trabajos que crean historias por sí mismos.

Sin saber nada con certeza, parece probable que la música fuera compuesta por Bach en el año 1720, cuando era maestro de capilla en Köthen. La fecha es sólo una suposición, basada en parte en el estilo y en el hecho de que tenemos una fecha (1720) para la copia autógrafa de las sonatas para violín.

Tenemos la suerte de tener la copia de la música escrita por la esposa de Bach, Anna Magdalena, así como una versión autógrafa de una de las suites en un arreglo para el laúd en escritura del propio  Bach.

Se dice que las suites eran desconocidas hasta que el violonchelista Pau Casals las descubrió en una tienda de segunda mano en Barcelona a la edad de trece años. La historia no explica cómo esta música podría ser completamente desconocida, incluso si estuviera fácilmente disponible en varias ediciones impresas. Como en el caso de los conciertos de Brandenburgo, las historias altamente embellecidas de muchas de las obras de Bach aparecen en la década de 1930 coincidiendo con la comercialización de grabaciones y giras de conciertos. Invariablemente, estas historias toman la forma de un "rescate", en el que las obras maestras se pasan por alto por primera vez y luego se salvan de la oscuridad permanente debido a una serie de eventos improbables. Pero la teoría más plausible quizá sea que muchas de las obras de Bach se realizaron y estudiaron continuamente después de su muerte; por ejemplo, el Clave bien templado, el cual influyó en generaciones de compositores.

La transmisión de manuscritos para las suites de cello comienza cuando uno de los alumnos favoritos de Bach, el compositor y organista Johann Christian Kittel, ferviente admirador de su maestro y de su estilo compositivo, comparte las obras de Bach con sus propios alumnos, incluido el virtuoso violonchelista y compositor Johann Friedrich Dotzauer.

La otra figura histórica importante es Johann Peter Kellner, quien copió muchas de las obras de Bach a finales de la década de 1720. 

Anna Magdalena y Kellner son las dos fuentes contemporáneas para las suites que han sobrevivido hasta nuestros días.

Dotzauer, pudo haber estado trabajando con una de estas copias o una copia posterior cuando comenzó el estudio de las obras, lo que pudo haber provocado que en 1826 la demanda de la música de Bach y de las obras para el violonchelo en general hubiera crecido hasta el punto que las suites fueran publicadas por Breitkopf & Härtel en 1826. 

Aunque Dotzauer pudo rastrear su estilo musical directamente hasta Bach, en la década de 1820 (100 años después de que Bach compuso las suites), en aquella época los artistas estaban más interesados ​​en adaptar la música al estilo y sabor del tiempo que en atenerse a los gustos de la interpretación Barroca. Del mismo modo, la influyente versión de Dotzauer hizo oscurecer las dos fuentes principales hasta la década de 1960.

Al rastrear la copia encontrada por Casals, vemos que la versión de Dotzauer probablemente la pasó a su alumno, Karl Dreschler, y de allí al alumno de éste, Friedrich Wilhelm Grützmacher, trayendo las suites al siglo XX llenas de marcas, acordes adicionales y adornos que recuerdan la época del cine mudo. Grützmacher, además de ser un violonchelista excepcional, arregló y reordenó una serie de importantes obras históricas, incluyendo el Concierto para Violonchelo en Si bemol mayor de Boccherini. 

En aquel tiempo era común que los compositores adaptaran las obras de Bach, Händel y Boccherini para audiencias contemporáneas, a menudo añadiendo sus propias anotaciones.

Las suites para violonchelo de Bach se convirtieron en una parte permanente del renacimiento de la Música Antigua en la década de 1960, cuando la Sociedad del Patrimonio Musical contrató a Nikolaus Harnoncourt para grabarlas.

Una década después de Harnoncourt, los intérpretes comenzaron a realizar las suites utilizando técnicas históricas en serio, con grabaciones notables como las de Anner Bylsma y Sigiswald Kuijken.

16 de mayo de 2017

Oy, Jil, en consejo abierto




Oy, Jil, en consejo abierto
Ensalada anónima (S. XVII)


King's Singers 
The Harp Consort
Andrew Lawrence-King

Vídeo: Belarmo


Procedentes del Fondo Barbieri y bajo las signaturas M. 1370, M. 1371 y M. 1372, se conservan en la Biblioteca Nacional de Madrid tres volúmenes manuscritos, en su mayor parte de polifonía profana, pertenecientes a las primeras décadas del siglo XVII. Aproximadamente la primera mitad de las piezas de esta compilación fueron publicadas por Miguel Querol en un único tomo, sin que hasta la fecha hayan visto la luz las restantes composiciones, al menos, agrupadas en un segundo volumen. Entre éstas, en las páginas 95-97 de los citados manuscritos, figura la «Ensalada a 3» Oy, Jil en consejo abierto de autor anónimo, que viene a engrosar el reducido, pero valioso, repertorio musical que poseemos hasta el momento sobre este género literario-musical tan típicamente hispánico, ya que, si atendemos al número de obras conservadas, las fuentes literarias que contienen ensaladas y ensaladillas han llegado siempre hasta nosotros en mayor medida que las fuentes específicamente musicales.

En relación a la definición del término Ensalada, sobradamente conocidas son las que dieran Rengifo, Covarrubias y el Diccionario de Autoridades. Dichas definiciones resumen las características del género a tres o cuatro constantes, y resultan perfectamente aplicables a un determinado tipo de ensaladas, pero las aportaciones de la investigación filológica y musicológica obligan a perfilar más detenidamente la definición y a añadirle nuevas características, no sólo en los aspectos formales, sino también en el contenido temático e ideológico. En este sentido, no es exagerado reclamar una definición prácticamente exclusiva para cada ensalada en particular, sobre todo, si tenemos en cuenta tanto la parte literaria como la musical, y la sutil conjunción entre ambas. Autores de nuestro tiempo, procedentes de ámbitos filológicos, han estudiado el género en profundidad rastreando su desarrollo a partir de la canción lírica tradicional -ya sea de raíz folklórica como de cancionero culto o cortesana-, y relacionándolo con el teatro, el romance, el villancico, el chiste. Aunque es un género considerado generalmente como menor, su importancia en la vida espiritual de la época fue considerable.

En las ensaladas del siglo XVI que se nos han conservado, la mayoría de ellas tenían, en un principio, como finalidad la de cantar el misterio de la Natividad. Posteriormente, la propia evolución de este género literario-musical en contacto con las condiciones ideológicas y sociales de la época facilitó su cambio de orientación que pasó de la temática navideña a la eucarística. Estamos, pues, ante una ensalada de argumento eucarístico, que contrahace «a lo divino» una cancioncilla tradicional muy en boga en los siglos XVI y XVII:

«Al villano se lo dan
la cebolla con el pan».

La ensalada dialogada se inicia con la narración, dirigida a Gil - paradigma de personaje rústico y convencional-, de una audiencia que solicitan ciertos personajes: un sacristán portugués, un vizcaíno, una gitana y finalmente unos villanos.

Para seguir leyendo y profundizar más en la obra, hacer click en el enlace:


25 de abril de 2017

Adam Michna






Officium Vespertinum

01. Intonatio 0:00
02. Deus in adjutorium 1:02
03. Sonata a 4 1:49
04. Antiphona - Rex pacificus 5:28
05. Psalmus 109 - Dixit Dominus 5:52
06. Antiphona - Rex pacificus 8:30
07. Psalmus 110 - Confitebor 8:54
08. Psalmus 111 - Beatus vir 12:15
09. Psalmus 112 - Laudate pueri Dominum 15:38
10. Psalmus 116 - Laudate Dominum 19:26
11. Hymnus - Te lucis ante terminum 21:01
12. Antiphona - Cum ortus fuerit 25:16
13. Magnificat 25:47
14. Canzon tertii toni 29:05
15. Psalmus 113 - In exitu Israel 32:41
16. Sonata con duobus violinis 38:30
17. Antiphona - Petrus et Joannes 43:09
18. Dixit Dominus : Falso Burdon Primo tono 43:30
19. Confitebor : Falso Burdon Sexto tono 45:35
20. Psalmus 138 - Domine probasti 48:13
21. Antiphona - Tu es pastor ovium 55:44
22. Magnificat a 12 et 16 56:07
23. Ultimo Verso loco antifonae 1:06:43

Capella Regia
Robert Hugo, director

Adam Václav Michna z Otradovic (Jindřichův Hradecc 1600 – 1676) fue un compositor, poeta, organista y director de coro checo. Se le conoce también como Adam Michna y en vida como Adamus Wenceslaus Michna de Ottradowicz. Como compositor y poeta del barroco temprano, inició el desarrollo del arte en Chequia y fue fuente de inspiración para otros artistas tanto de la época como de generaciones venideras.

Michna descendía de una familia de noble de músicos de Michna Ottradovic en Jindřichův Hradec, al sur de Bohemia, obstentando el título de Caballero.
Su padre era el organista y trompetista Michael Michna y muchos parientes suyos fueron también músicos.

Se sabe poco sobre su vida. Llegó a ser miembro de la Sociedad Literaria, así como organista y maestro de coro de la iglesia principal de su ciudad natal. Fue un gran impulsor de la música y un miembro respetado de la comunidad. Se casó dos veces, pero no se le conoce descendencia. En 1673 creó una fundación para jóvenes músicos que carecieran de recursos económicos.

Aunque fue un compositor prolífico, no muchas de sus obras han llegado hasta nosotros. Existen 230 composiciones suyas de tres colecciones en checo y dos en latín. La mayor parte de su creatividad la dedicó a la música sacra. Lo más conocido de su música son tres colecciones de himnos: Ceská mariánská muzika (Música Mariana Checa), Loutna česká (Laúd Checo) y Svatoroční muzika (Música para el Año Santo).

Compuso tanto polifonía como música para voces e instrumentos con textos propios, así como canciones sacras checas que aún hoy siguen siendo muy populares en su país, como Vánoční noc (Noche de Navidad), más conocida como Chtíc, aby spal, que sigue cantándose de forma tradicional en la República Checa.

Michna estaba bastante familiarizado con la técnica compositiva del barroco italiano. Sus trabajos contienen brillantes estructuras rítmicas y está caracterizado por una sutil y compleja mezcla de variaciones. Sus patrones a menudo cambian de 3/4 a 2/4. Este dominio del ritmo y la amplitud en el color, lo iguala a sus contemporáneos italianos, siendo tan importante en Chequia como Heinrich Schütz en Alemania o Claudio Monteverdi en Italia.

Su música puede dividirse en dos partes:

Música Sacra (con textos litúrgicos en latín) de ricas melodías polifónicas, utilizando mayormente instrumentos de metal  (trompetas, trombones), cuerda y órgano y presentando en las voces un gran contraste entre las partes corales y las solistas.

  • Obsequium Marianum (1642)
  • Officium vespertinum, Psalmi (1648)
  • Magnificant I. toni (1654)
  • Sacra et litaniae – contiene 5 misas, 2 letanías,  1 Te Deum y un Requiem
  • Missa Sancti Wenceslai

Canciones e Himnos (Canciones homofónicas con texto propio y arreglos musicales de sus poemas)

  • Česká mariánská muzyka (1647)
  • Loutna česká (1653)
  • Svatoroční muzyka (1661)
  • Piezas sueltas

Sus tema favorito a la hora de escribir poesía fue la lucha entre el bien y el mal, pasando de hermosas imágenes del paraíso a los terribles tormentos del infierno; pero con un transfondo filosófico enriquecido a veces con un curioso sentido del humor que muestra de alguna manera una crítica. Otro de sus temas preferidos fue la naturaleza, siendo así el primer poeta checo en crear el fenómeno de la espiriualidad y romanticismo poético.


19 de marzo de 2017

Missa Defunctorum ad Exequias Ludovici Primi Regis





Missa Defunctorum ad exequias Ludovici Primi Regis
6. Requiem
7. Kyrie

Sequentia
8. Dies irae
9. Tuba mirum
10. Rex tremendae
11. Recordare, Jesu pie
12. Ingemisco

13. Lacrimosa
14. Offertorium
15. Sanctus
16. Motete. Versa est in luctum
17. Agnus Dei
18. Communio

Misa de Difuntos a Luis I (1724) para Doble Coro, Solistas, Capilla y Orquesta de José de Torres y Martínez Bravo (ca.1670-1738).

Obra extraída del álbum Días de Gloria y Muerte. Dos misas de JOSÉ de TORRES (1670-1738)
de la Serie: Compositores en la Comunidad de Madrid. El Patrimonio Musical Hispano, Nº6.
Interpretan: ESTIL CONCERTANT con instrumentos de época.
Estrella Estévez y Carmen Botella (Sopranos)
Toni Gubau (Contratenor)
Josep Pizarro (Tenor)
Josep R. Gil-Tàrrega, Director


José de Torres y Martínez Bravo nació en Madrid en torno a 1670 y falleció en la capital del reino el 5 de junio de 1738. Entre una y otra fecha se enmarca la vida de un músico avanzado cuyo talento marcó el quehacer musical de las primeras décadas del siglo XVIII en España y América. Toda su trayectoria profesional se encuentra vinculada al ámbito cortesano donde desarrollaría una notable actividad como compositor, organista y teórico de la música.
Su biografía, como su obra, estuvieron marcados por el azar plagado de inquietudes y acontecimientos. Recibe su formación musical en el Real Colegio de Niños Cantores, donde ingresa en 1680. Sus maestros fueron probablemente Cristobal Galán en composición y Diego y Francisco Bruna en órgano. En 1686 obtiene por oposición la plaza de organista de la Capilla Real de Madrid, y comienza a ejercer como maestro de música del Colegio de Niños Cantores, puesto en el que destaca por sus cualidades como docente.

Después del exilio de Sebastian Durón en 1706, Torres fue asumiendo progresivamente las responsabilidades de composición y de esta época se conserva su zarzuela El imposible mayor. En 1716 asciende a primer organista, hasta que fue nombrado maestro titular de la Capilla Real y rector del Real Colegio de Niños Cantores en 1718. A partir de 1724 tuvo que compartir el magisterio con Felipe Falconi, hasta entonces maestro de la Capilla de S. Ildefonso en La Granja. Su trabajo en común va a conjugar la práctica nacional más tradicional y la corriente italianizante del momento.

Torres es uno de los compositores más importantes del barroco español. Aunque una parte importante de su producción debió perderse en el incendio del Alcázar o tras su muerte, las obras conservadas demuestran que alcanzó un completo dominio del nuevo estilo italiano, siendo el principal responsable de la modernización de la música española a principios del S. XVIII.

En 1699 funda la Imprenta de Música, la única con esa especialización en España y, bajo su dirección, edita buena parte de los mejores tratados teóricos de su época y publica numerosas composiciones religiosas y profanas, partituras de obras teatrales (como Destinos vencen finezas de Juan de Navas) y diversos tratados teóricos. Entre estos debe destacarse las Reglas generales para acompañar órgano, clavicordio o arpa (1702), el primer tratado de bajo continuo publicado en España, que reeditó en 1736 con un nuevo libro dedicado al estilo italiano y El arte del canto llano de Francisco Montanos.

Ingresó como organista en la Real Capilla por oposición en enero de 1687, desempeñando este oficio al mismo tiempo que ejercía sus funciones como compositor. El éxito no se hizo esperar y buena prueba de ello sería la edición de la obra Missarum Liber editada en 1703 en su Imprenta Musical y dedicada al rey Felipe V, obra que le confirmaría como compositor y que supondría a su vez su reafirmación en el ámbito cortesano, al gozar a partir de este momento del beneficio y protección del monarca.
De la importancia que llegó a obtener esta obra nos da buena muestra el elevado número de ejemplares que en la actualidad se encuentran conservados en los diferentes centros religiosos repartidos por la geografía española e hispanoamericana.


La Misa de Difuntos (1724) para las honras de Luis I de España
está cargada de una sonoridad plena, dramática, grave en muchas ocasiones y marcada con una profunda espiritualidad que a veces acongoja por la delicada sensibilidad, como sucederá en la sencilla súplica del Recordare Jesu pie de la Sequentia, con un expresivo de tiple. Se inicia esta Misa con el Introito Requiem aeternam, expuesto de forma pausada, casi contemplativa como si se tratase de una sentida plegaria, sin grandes exhibiciones vocales o instrumentales aunque revestida de la grandeza con la que está concebida la obra.

El Kyrie que le sigue avanza ya la fuerza expresiva del drama, construido en 3 secciones diferenciadas de carácter independizado, cuyo material temático no volverá a ser reaprovechado ni en el Sanctus ni en el Agnus Dei.

Pero donde la Misa adquiere su verdadera dimensión es en la Sequentia Dies Irae, muy reducida en relación con el texto original, ya que Torres ha suprimido 6 de las estrofas habituales, entre ellas, por ejemplo, el Confutatis maledictis. En total 6 secciones que se representan con una gran variedad de recursos, muy ricas en ideas y a veces sorprendentes. El Offertorium se destaca por su espléndida belleza. Contiene momentos de una gran rareza que presentan una concepción armónica muy avanzada, como sucede en la sección Libera animas...de poenis Inferni, en la que Torres va a utilizar un proceso continuo de modulaciones encadenadas que generan un dramatismo muy acorde con el contenido textual. Sin embargo donde la Misa presenta mayores sorpresas es en el Motete Versa est in luctum, incorporado en sustitución del Benedictus después del Sanctus, tal y como se practicaba en España, en el que la orquesta queda reducida tan sólo a las flautas y al cuarteto de cuerdas, que a modo de coro dialoga con los solistas, confundiéndose con ellos a veces en una sonoridad misteriosa conseguida con extrañas modulaciones.

El Dona eis Requiem sempiterna con el que cierra el Agnus Dei, constituye otro momento de gran intensidad. La música se reparte entre los 2 coros que repiten incesantemente la palabra "eternidad", superponiéndose rítmicamente en un proceso continuo de tensiones acumuladas a modo de espiral, tal y como sucederá en la Communio, en cuyo caso se logra esta sensación mediante la estudiada introducción de un diseño rítmico-melódico que poco a poco va adquiriendo importancia hasta convertirse en un verdadero ostinato que guía al texto hasta su consumación Cum Sanctis tuis in aeternum, esta fusión final entre texto y música en un continuo avanzar de energía acumulada se cierra con un pleno total de coros y orquesta de una gran serenidad, profundamente conmovedora.

10 de abril de 2016

Silencio, no habléis




Schweigt stille, plaudert nicht (BWV 211)
Johan Sebastian Bach

1. Schweigt stille, plaudert nicht
2. Hat man nicht mit seinen Kindern
3. Du böses Kind, du loses Mädchen
4. Ei! wie schmeckt der Coffee süße
5. Wenn du mir nicht den Coffee lässt
6. Mädchen, die von harten Sinnen
7. Nun folge, was dein Vater spricht
8. Heute noch, lieber Vater, tut es doch
9. Nun geht und sucht der alte Schlendrian
10. Die Katze lässt das Mausen nicht

The Amsterdam Baroque Orchestra & Choir
Soprano - Anne Grimm
Tenor - Lothar Odinius
Bajo - Klaus Mertens
Director -Ton Koopman

Las cantatas constituyen el núcleo fundamental de la creación de J. S. Bach, representando más de la mitad del total de sus obras conservadas.
Se ha dicho, que quien desee conocer a Bach en toda la amplitud y profundidad de su genio, deberá recurrir a sus cantatas, forma musical que cultivó a lo largo de toda su vida. Ciertamente, en ellas se encuentra condensado lo más sustancioso de su producción artística, su profunda convicción religiosa y su espíritu esencialmente didáctico. Pero aunque la mayor parte de la música que Bach dedicó a este género fue de carácter religioso, también han llegado hasta nosotros algunas cantatas de carácter profano, como la que proponemos en esta entrada de Renonare Fibris: Schweigt stille, plaudert nicht BWV 211, en español Silencio, no habléis, también conocida como la Cantata de Café, compuesta probablemente entre 1732 y 1735. 
En realidad, más que una cantata podría decirse que es esencialmente una ópera cómica en miniatura en tono satírico que habla de forma jocosa de una adicción al café.

La partitura de la obra está escrita para tres solistas vocales en las funciones de: Narrador, tenor Schlendrian (literalmente: palo en el barro), bajo Lieschen y su hija, soprano. La orquesta consta de flauta travesera, dos violines obbligato, viola, clave y bajo continuo. 

El libreto escrito por Christian Friedrich Henrici, nos introduce en el mundo burgués de Leipzig.
Como hemos dicho anteriormente, la cantata es una deliciosa sátira del vicio del café, entonces de moda entre los burgueses de la ciudad; pues desde finales del siglo XVII se había extendido en Leipzig, en donde muchas casas de café le habían abierto sus puertas. Una de ellas fue el Café Zimmermann de la Calle Catalina, donde Bach ofreció durante diez años sus conciertos públicos a la cabeza del Collegum Musicum universitario.


Cafetería Zimmermann 
(detalle de un grabado de Johann Georg Schreiber, 1732)

El tema de la Cantata es el enfrentamiento entre dos generaciones. Se trata de un padre (Schlendrian) que le prohibe tomar café a su hija (Lieschen), aficionada a la deliciosa bebida que estaba considerada un peligro en aquel tiempo, ya que debido a una mezcla de factores, en Alemania no fue aceptada en el hogar hasta la segunda mitad del siglo XVIII.
El padre amenaza a la hija con toda clase de castigos diciéndole que no le comprará más ropa, que no le permitirá salir ni asomarse a la ventana. Ella se resiste, pero el padre le dice que si no ceja en su adicción, no permitirá que se case. Eso sí que es demasiado para ella, así que promete dejar el café, pero si el padre le busca novio de inmediato. Mientras tanto, ella corre la voz que sólo aceptará al novio que le permita tomar todo el café que desee.

Podría verse quizá en esta historia una crítica hacia el autoritarismo paterno y una perspectiva un poco más moderna y abierta del papel de la mujer, algo que empezaba a dar sus primeros pasos en algunos lugares de la Europa del siglo XVIII.

10 de septiembre de 2015

Henry Purcell





The Fairy Queen (1692) es una semiópera con prólogo y cinco actos, con música de Henry Purcell y libreto en inglés anónimo, adaptación de la comedia de William Shakespeare "Sueño de una noche de verano".

Henry Purcell nació el 10 de septiembre de 1659 en el condado de St. Ann's Lane, Westminster. Su padre, también de nombre Henry Purcell, fue caballero de la Capilla Real, y cantó en la coronación del Rey Carlos II de Inglaterra. Fue el mayor de tres hermanos, de los cuales el menor, Daniel Purcell, fue igualmente un prolífico compositor. Tras la muerte de su padre, en 1664, Henry Purcell quedó bajo la custodia de su tío Thomas Purcell, quien mostró por él cariño. Thomas era asimismo caballero de la Capilla del Rey y gestionó la admisión de Henry como miembro del coro. Henry estudió primero con Henry Cooke, maestro de los niños, y luego con Pelham Humfrey, sucesor de Cooke.
Se dice que Purcell comenzó a componer a los 9 años de edad, pero la primera obra que puede ser identificada con certeza como de su autoría es la Oda para el cumpleaños del rey escrita en 1670 (Las fechas de sus composiciones son a menudo inciertas, a pesar de la considerable investigación). Después de la muerte de Humfrey, Purcell continuó sus estudios con el Dr. John Blow, mientras asistía a la Escuela de Westminster. En 1676 fue nombrado ayudante organista de la Abadía de Westminster y compuso obras como Aureng-Zebe, Epsom Wells y La libertina.
En 1675 escribió varias canciones para Aires, canciones y diálogos elegidos de John Playford y también un himno de nombre actualmente desconocido para la Capilla Real. Gracias a una carta escrita por Thomas Purcell, sabemos que el himno fue escrito para la excepcional voz del reverendo John Gostling, entonces en Canterbury, pero posteriormente Caballero de la Capilla del Rey. Purcell escribió muchos himnos en diferentes momentos para esta extraordinaria voz, un bajo profundo, que se sabe tenía una tesitura de al menos dos octavas completas, desde re2 hasta re4. Se conocen datos de unos pocos de estos himnos; quizás el más notable ejemplo es They that go down to the sea in ships, compuesto en agradecimiento por un providencial salvamento de un naufragio sufrido por el rey en el Estrecho de Solent. Gostling, que acompañaba en la oportunidad al rey, reunió varios versos de los Salmos en forma de himno y le pidió a Purcell que compusiera la música. La obra resulta todavía hoy de una interpretación muy difícil, incluyendo un pasaje que atraviesa toda la tesitura de la voz de Gostling.
En 1677 compuso la música para la tragedia de Aphra Behn Abdelazar y en 1678 una obertura y mascarada para la nueva versión de Shadwell sobre Timón de Atenas de Shakespeare. El coro de La libertina In These Delightfull Pleasant Groves se interpreta frecuentemente. 

En 1680, John Blow, organista de la abadía de Westminster desde 1669, renunció a su cargo en favor de Henry Purcell, quien en esa fecha tenía 22 años.
En 1682 Purcell contrajo nupcias con Frances Purcell y al año siguiente fue nombrado organista de la Capilla Real y constructor de los Órganos Reales. Purcell, entonces, se dedicó enteramente a la composición de música sacra, y por seis años restringió su conexión con el teatro. Sin embargo, durante la primera parte de aquel año, probablemente antes de asumir el cargo, produjo dos importantes trabajos para las tablas: la música para Teodosio de Nathaniel Lee y para Esposa virtuosa de Thomas D'Urfey.
En 1689, Purcell compuso la ópera Dido y Eneas, que constituye un importante hito en la historia de la música dramática inglesa con la famosa aria Lamento de Dido, y más tarde algunas otras semióperas, como la desarrolladísima The Fairy Queen. Dido y Eneas fue escrita según un libreto de Nathum Tate, quien lo desarrolló a petición de Josiah Priest, profesor de baile que también dirigía una escuela de señoritas, primero en Leicester.

Purcell murió el 21 de noviembre de 1695 a la edad de 36 años, en la cumbre de su fama. Poco después, su esposa recopiló varias de sus obras, las cuales se publicaron en dos famosos volúmenes: Orpheus Britannicus I (1698) y II (1702).
Fue enterrado en la abadía de Westminster, debajo del órgano que tanto tiempo tocó. Su epitafio dice: «Aquí yace el honorable Henry Purcell, quien dejó esta vida y ha ido a ese único lugar bendito donde su armonía puede ser superada».



El catálogo de Henry Purcell comprende un total de 860 obras. Su obra recibió la influencia de tres estilos: La música inglesa, la francesa y la italiana.

La música instrumental de Purcell tiene dos claros estilos: el tradicional y el italiano, este último muy dominante en sus sonatas. Destacan sus ocho suites, unas veinticinco marchas y piezas para clavicémbalo y sonatas para violín.

Con clara influencia italiana, la obra eclesiástica de Purcell se divide en tres géneros:
  • El Full Anthem. Compuestos antes de 1683, se trata de motetes tradicionales, complejos y laboriosos.
  • El Verse Anthem. Escritos en sus últimos años bajo el estilo francés.
  • Secciones corales. De carácter grandilocuente.



Purcell compuso varias odas reales con motivo de algún acontecimiento importante de la nobleza o del rey. Su habilidad en este género creció prodigiosamente desde 1680. Cabe citar sus dos odas para el cumpleaños de la reina Mary y la Oda para el día de santa Cecilia (1692). Además compuso anthems profanos como «Mi corazón me está dictando» y canciones: Music for a while, Ninfas y pastores, Himno nocturno.

Purcell tiene un atractivo catálogo de música incidental para el teatro. Se trata de danzas y act tunes: Distressed Innocence, Abdelazer, The Married Beau. Sólo escribió una ópera propiamente dicha, Dido y Eneas (1689). Sus otras obras son semióperas: La profetisa, o La historia de Diocleciano (Dioclesian, 1690), King Arthur, 1691, The Fairy Queen, 1692), The Indian Queen, empezada en 1695).

Nota: Según Holman y Thompson no se conoce con certeza la fecha de nacimiento del compositor, ya que no se ha conservado su acta bautismal. La fecha de 1659 se ha calculado a partir de la lápida conmemorativa que se le dedicó en la Abadía de Westminster y por el frontispicio de su Sonata en tres partes (Londres, 1683). A veces se señala como día de su nacimiento el 10 de septiembre, apoyándose en las vagas inscripciones del manuscrito GB-Cfm 88. Quizá sea también relevante que su primer salario lo cobró el 10 de septiembre de 1677, que podría ser justamente el día de su decimoctavo cumpleaños.

Fuente 


28 de diciembre de 2014

Concierto en Do Mayor para piccolo RV 443




A. Vivaldi
Concierto en Do Major para piccolo RV 443 (Largo)
Voices of Music
Hanneke van Proosdij

En el concierto para piccolo en Do Mayor RV 443, nos encontramos ante una composición con frases en perfecto equilibrio. El suave Largo es fluido y expresivo y las líneas melódicas están impecablemente en consonancia con la armonía y el contrapunto general, las cuales hacen que las exigencias técnicas no interfieran en la elegancia de la composición.

Una nota en el manuscrito dice "Gl’istromenti trasportati alla 4a" (los instrumentos transportados una 4ª), lo que hace pensar a algunos estudiosos que toda la obra debería transportarse una 4ª baja. Otros comentarios en el manuscrito hacen que se planteen más preguntas que tienen una simple respuesta: si Vivaldi hubiera deseado una transposición, habría sido mucho más práctico y más fácil haber escrito la parte de flauta transportada y las partes de cuerda en su propia tonalidad. Además, la parte de cello habría sido imposible de ejecutar y el ámbito sonoro de la obra quedaría demasiado grave.
Es posible que la nota estuviera escrita posteriormente, dando así instrucciones para ser tocada por un instrumento con registros más graves.

Sea como fuere, el concierto es una verdadera joya.

Voices of Music siempre actúa con instrumentos de la época del compositor.

David Tayler y Hanneke van Proosdij, Directores

Lisa Grodin, viola barroca de Mathias Eberl, Salzburg, Austria, 1680
Kati Kyme, violín barroco de Johann Gottlob Pfretzschner, Mittenwald, Germany, 1791
Carla Moore, violín barroco de Johann Georg Thir, Vienna, Austria, 1754
Maxine Nemerovski, violín barroco de Timothy Johnson, Bloomington, Indiana, 1999 (según Antonio Stradivari, Cremona, Italia, S. XVII)
Farley Pearce, violone de George Stoppani, Manchester, 1985, según Amati, 1560
Hanneke van Proosdij, Clave italiano de Johannes Klinkhamer, Amsterdam, 2000, según Cristofori, Florencia, 1725
Flauta Sopranino de Alec Loretto, New Zealand, 2001 según Stanesby Jr., London, c1725
William Skeen, cello barroco de Gianbattista Grancino, Milan, 1725
David Tayler, tiorba de Andreas von Holst, Munich, 2012,  según Magno Tieffenbrucker, Venecia, 1610
Tanya Tomkins, cellobarroco, Lockey Hill, Londres, 1798
Gabrielle Wunsch, violín barroco Lorenzo Carcassi, 1764.

24 de diciembre de 2014

Hodie Christus Natus Est





The Choir of Trinity College, Cambridge
Richard Marlow


Hodie Christus natus est,
hodie salvator apparuit.
Hodie in terra canunt angeli,
laetantur Archángeli.
Hodie exsultant justi dicentes.
Gloria in excelis Deo,
alleluia.

Traducción:

Hoy, Cristo ha nacido;
hoy, el Salvador ha aparecido;
hoy, en la tierra, cantan los ángeles;
hoy, se alegran los arcángeles;
hoy se alegran los justos diciendo:
Gloria a Dios en las alturas,
Aleluya.

Partitura

Jan Pieterszoon Sweelinck, (Deventer, abril o mayo de 1562 - Amsterdam, 16 de octubre de 1621), fue un compositor, organista y docente de los Países Bajos. Su obra se extiende entre el fin del Renacimiento y el Barroco temprano. Es uno de los primeros grandes compositores de obras para teclado europeos, y su obra como docente ayudó a cimentar la tradición organística del Norte de Alemania.

Sweelinck fue el hijo mayor del organista Swybbertszoon y de Elske Jansdochter Sweeling, hija de un cirujano.
Poco después de su nacimiento, la familia se mudó a Amsterdam, donde hacia 1564, Swybbertszoon prestó servicios como organista en la Oude Kerk, donde el abuelo paterno y un tío también eran organistas. Jan Pieterszoon debe haber recibido sus primeras lecciones de música de su padre, quien desafortunadamente, falleció en 1573.
Más tarde, recibió una educación general de parte de Jacob Buyck, sacerdote católico de la Oude Kerk, pero esas lecciones cesaron en 1578, luego de que llegara la Reforma a la ciudad de Ámsterdam y que ésta abrazara el Calvinismo. Buyck decidió irse de la ciudad.
Poco se sabe sobre su educación musical luego del fallecimiento de su padre. Sus profesores de música podrían haber incluido a Jan Willemszoon Lossy, un contratenor poco conocido e instrumentista de shawm (una especie de chirimía) en Haarlem, y/o Cornelis Boskoop, quien fuera el sucesor del padre de Sweelinck's en la Oude Kerk. En el caso en que Sweelinck hubiera efectivamente estudiado en Haarlem, probablemente hubiera sido influido en cierto punto por los organistas de St.-Bavokerk, Claas Albrechtszoon van Wieringen y Floris van Adrichem, los cuales improvisaban cotidianamente en la Bavokerk.
Según Cornelis Plemp, un alumno y amigo de Sweelinck, éste comenzó su carrera de cuarenta y cuatro años como organista de la Oude Kerk, cargo que ocupó por el resto de sus días, en 1577, cuando apenas tenía quince años. Esta fecha, sin embargo, es incierta, porque los registros de la iglesia entre 1577-80 se han perdido, y la presencia de Sweelinck sólo puede documentarse a partir de 1580.
La madre de Sweelinck, viuda, falleció en 1585, y Jan Pieterszoon asumió la responsabilidad de mantener a su hermano menor y a su hermana. Su salario de cien florines se duplicó al año siguiente, probablemente como una ayuda. Además, le fue ofrecida la suma de 100 guilders en el caso en que se casara, lo que sucedió en 1590 cuando se casó con Claesgen Dircxdochter Puyner, de Medemblik. También se le ofreció elegir entre 100 guilder suplementarios, y alojamiento gratuito en una casa municipal; Sweelinck eligió esto último.
La primera publicación data entre 1592-94: son tres volúmenes de canciones, el último de los cuales es el único que fue reimpreso en 1594. Por razones desconocidas, el compositor eligió cambiar su apellido a una variante del de su madre, en vez de usar su apellido paterno Swybbertszoon. «Sweelinck» aparece entonces por primera vez en la carátula de la publicación de 1594.
Sweelinck se dedicó entonces a publicar psalmos, con el objetivo de publicar el Psalterio en su totalidad. Esas obras aparecieron en cuatro grandes volúmenes, publicados en 1604, 1613, 1614 y 1621; el último volumen fue publicado póstumamente, y probablemente inconcluso. Sweelinck falleció de causas desconocidas el 16 de octubre de 1621 y fue enterrado en la Oude Kerk. Le sobrevivieron su esposa, y cinco de sus seis hijos, el mayor de los cuales, Dirck Janszoon, le sucedió como organista de la Oude Kerk.
Probablemente el compositor haya pasado toda su vida en Amsterdam, visitando de vez en cuando otras ciudades, en relación con su actividad profesional. Se le pidió que inspeccionara órganos, que emitiera opiniones y que aportara consejos en la construcción y reparación de de órganos. Así, visitó Delft, Dordrecht (1614), Enkhuizen, Haarlem (1594), Harderwijk (1608), Middleburg (1603), Nimega (1605), Rotterdam (1610), Rhenen (1616), y su ciudad natal Deventer (1595, 1616). El viaje más largo que Sweelinck efectuó fue a la ciudad de Amberes en 1604, donde fue enviado por las autoridades de Amsterdam para comprar un clavecín para la ciudad.
No existen documentos para aseverar un rumor de larga data recogido por primera vez por Mattheson, según el cual Sweelinck habría visitado Venecia, y análogamente, tampoco hay evidencias de que haya cruzado alguna vez el Canal de la Mancha, aunque sea factible. Su fama como compositor, ejecutante y docente fueron en aumento durante su vida; fue llamado por sus contemporáneos el Orfeo de Amsterdam, y las autoridades de la ciudad a menudo llevaban a visitantes ilustres a escuchar las improvisaciones de Sweelinck.

Las únicas obligaciones de Sweelinck en Amsterdam eran las de organista. No tocaba el carrillón o el clave como era costumbre, tampoco se le pedía que produjera obras. Los servicios calvinistas no incluían obras para órgano, por ser consideradas mundanas. Sweelinck fue empleado de la ciudad de Amsterdam; por trabajar para magistrados protestantes durante el resto de su vida, es plausible que haya adherido al Calvinismo. Hacia 1590, tres de sus hijos fueron bautizados en la Oude Kerk. Su empleo le permitía dedicar tiempo a la enseñanza, labor por la cual se volvió tan famoso como por sus composiciones. Los alumnos de Sweelinck formaron parte nada menos que el núcleo de lo que se convertiría en la gran tradición organística del Norte de Alemania: Jacob Praetorius II, Heinrich Scheidemann, Paul Siefert, Melchior Schildt y Samuel y Gottfried Scheidt. Los alumnos de Sweelinck eran considerados como músicos de referencia frente a los cuales los otros organistas eran evaluados. Sweelinck fue conocido en Alemania como el “fabricante de organistas”. Sociable y respetado, fue sumamente requerido como docente. Sus alumnos neerlandeses fueron sin duda numerosos, pero ninguno de ellos llegó a ser un notable compositor. Sin embargo, Sweelinck, influyó el desarrollo de la escuela neerlandesa de órgano, como lo muestra el trabajo de compositores posteriores como Anthoni van Noordt.
La influencia de Sweelinck se difundió en países tan lejanos como Suecia e Inglaterra, llevada al primero por Andreas Düben y al segundo por compositores ingleses como Peter Philips, que probablemente haya encontrado a Sweelinck en 1593. Sweelinck, y en general los compositores neerlandeses, tenían vínculos evidentes con la escuela inglesa de composición. La música de Sweelinck aparece en el Fitzwilliam Virginal Book, que contiene en su mayoría obras de compositores ingleses. Escribió variaciones sobre el famoso Lachrimae Pavane de John Dowland. John Bull, quien probablemente haya sido un amigo personal, escribió una serie de variaciones sobre un tema de Sweelinck después de la muerte del compositor neerlandés.

Organista de formación, Sweelinck fue un gran improvisador, y sus contemporáneos dieron en llamarlo el “Orfeo de Amsterdam”. Sweelinck representa el cenit de la escuela neerlandesa de instrumentos de teclado, y una de las más grandes cumbres en complejidad y refinamiento del contrapunto en el barroco temprano; algunos especulan que muchas de sus obras para teclado estaban destinadas a servir como material de estudio para sus alumnos.
Más de 70 obras para teclado han llegado hasta nosotros. Sin embargo, también fue un competente compositor para formaciones vocales, con más de 250 obras en su haber (canciones, madrigales, motetes y psalmos).
Muchas de sus obras vocales fueron publicadas en Salmos de David (1604–1614) y Cantiones sacrae (1619); también publicó muchos caprichos para clave, toccatas y variaciones musicales.
Algunas de las innovaciones introducidas por Sweelinck fueron de profunda importancia, entre ellas, la forma musical de la fuga. Fue uno de los primeros en escribir fugas para órgano, obras que comenzaban con un tema simple, y al cual se le agregaba textura y complejidad hasta un climax final y su resolución; esta forma musical fue perfeccionada por varios músicos del barroco hasta culminar en la obra de Johann Sebastian Bach. También habría sido el primero en usar la pedalera del órgano para asignarle una voz de la fuga.

Estilísticamente, la música de Sweelinck tiene rasgos de riqueza, complejidad y utilización de formaciones corales distribuidas espacialmente que recuerdan a las de sus contemporáneos italianos, y de la ornamentación y las formas de los compositores de teclado ingleses.
Si bien en algunas de sus obras Sweelinck es un compositor barroco, en algunas de sus canciones parece ser aún un compositor de la escuela del Renacimiento francés. En el desarrollo formal, especialmente en el uso del contrasujeto, del stretto, y del calderon, su música va más allá de la obra de Frescobaldi (su contemporáneo más cercano), y preanuncia la obra de Bach, quien tal vez haya estado al tanto de la obra de Sweelinck.
En el curso de su vida, Sweelinck debió haber estado familiarizado con el estilo musical de al menos tres liturgias diferentes: la Católica Romana, la Calvinista y la Luterana; rasgos de las tres pueden encontrarse en su obra. Aún su obra vocal, más conservadora que su obra de teclado, muestra una impactante complejidad rítmica y una riqueza inusual del uso de recursos contrapuntísticos.
De los escasos trabajos escritos en España sobre su mundo se cuenta el libro de Ramón Andrés, El luthier de Delft.

Fuente 

28 de noviembre de 2014

Vedrò con mio diletto




Philippe Jaroussky, contratenor
ENSEMBLE MATHEUS
Jean-Christophe Spinosi, director

Antonio Lucio Vivaldi (1678 † 1741)

La misma aria interpretada también por el Ensemble Matheus dirigido por Jean-Christophe Spinosi, pero en la voz de la mezzo-soprano Cecilia Bartoli



Otra versión del Joven contratenor Jakub Józef Orliński
IL POMO D'ORO
Maxim Emelyanychev, Director



Giustino RV717
Vedrò con mio diletto - Anastasio

Vedrò con mio diletto
I'alma dell'alma mia,
il cor del mio core
pien di contento.

E se dal caro oggetto
lungi convien che sia,
sospirerò penando
ogni momento.

TRADUCCIÓN:

Veré con deleite
al alma del alma mía,
el corazón de mi corazón
lleno de alegría.

Y si del querido sujeto
lejos conviene que esté,
suspiraré penando
cada momento.

Partitura

Il Giustino (título original en italiano; en español, Justino, RV 717) es una ópera en tres actos del compositor Antonio Vivaldi, compuesta en 1724 sobre un libreto viejo y muchas veces retocado del conde Nicolò Beregan (1683) y ulteriormente rehecho para la edición musicada por Vivaldi (quizá para la ópera de Antonio Maria Lucchini ya libretista de la Tieteberga y a continuación del Farnace).
Esta obra fue un encargo a Vivaldi realizado por Federico Capranica para el Teatro Capranica, el cual pertencía a su familia, tras el éxito del Ercole su'l Termodonte en 1723, pero fue ejecutada sólo después de la muerte del comitente como segunda ópera de la temporada de carnaval en 1724. 
Igualmente fue la última ópera compuesta por el maestro veneciano para Roma.

En el acto I se ve la coronación de Anastasio como emperador de Bizancio y su matrimonio con la emperatriz Arianna, pero la espléndida fiesta en el palacio imperial se ve perturbada por noticias alarmantes: la armada de Vitalino, tirano de Asia Menor, está a punto de sitiar la ciudad. Vitalinio negocia las condiciones de paz estipulando que Arianna debe casarse con él y Anastasio rechaza el ofrecimiento y se prepara para la guerra. Giustino, un simple campesino, sueña un día que la diosa de la fortuna le promete gloria, riqueza y un trono si sigue su destino; cuando despierta, Leocasta, hermana de Anastasio, aparece corriendo perseguida por un oso; entonces Giustino mata al animal y Leocasta se da cuenta que no sólo es un hombre amable sino también valiente y lo invita a la corte convirtiéndolo en soldado de la armada imperial. Vitalinio captura a Arianna e intenta seducirla pero se enfrenta a la fidelidad de la emperatriz y enojado ordena que sea encadenada a una roca y enfrente la voracidad  de un monstruo marino.

En el acto II, cuando el monstruo se acerca para devorar a Arianna, Giustino le da muerte y la libera. Anastasio captura a Vitalinio y victorioso es coronado con laureles en su palacio, pero no falta el malvado de la historia: el general Amanzio, celoso de que un campesino sea reconocido por el emperador, decide despertar sus celos diciéndole que Giustino planea quitarle el trono y quedarse con Arianna.

En el III acto todo se complica porque Arianna, en agradecimiento, le regala a Giustino un cinturón de piedras preciosas que su marido le había dado tiempo atrás y al verlo Anastasio cree en lo dicho por Amanzio y condena a muerte a Giustino y acusa de adulterio a Arianna. Giustino se despide de Leocasta de la cual está enamorado y es correspondido y ella jura liberarlo o morir junto a él. Amanzio, aprovechando el encarcelamiento de Giustino arrebata el trono a Anastasio y se corona emperador, pero Giustino se escapa con ayuda de Leocasta y vuelve al bosque donde nuevamente se queda dormido. Vitalinio está a punto de asesinarlo cuando se le aparece el espectro de su padre anunciándole que Giustino es su hermano y ambos se abrazan y deciden juntos devolver el trono a Anastasio. Mientras esto pasa, Amanzio hace conducir encadenados a su presencia a Anastasio y Arianna y someterlos a tremendas torturas, pero se escuchan trompetas y el grito del pueblo anuncia la llegada de Giustino y Vitalinio quienes liberan a los emperadores y encarcelan a Amanzio. Anastasio pide perdón por sus celos, nombra amigo a Vitalinio y concede la mano real de Leocasta y la mitad de su reino a Giustino.

Fuentes:
Wikipedia
Opera para todos

2 de septiembre de 2014

Tarantella




TARANTELA - Lucas Ruiz de Ribayaz (1626 - ?).


Arianna Savall (Arpa)
Pedro Estevan (Pandereta)


Lucas Ruiz de Ribayaz y Foncea (Santa María Ribarredonda, Burgos (España), 1626 - ?), guitarrista y compositor español. Es el autor del libro Luz y Norte musical para caminar por las cifras de la guitarra española y el arpa (1677).

Pedro Antonio Fernández de Castro y Andrade (XVII Virrey del Perú), llegó a Lima en el año de 1667, acompañado del religioso y guitarrista Lucas Ruiz de Ribayaz, al inicio de su importante carrera como músico.
El Virrey tocaba diestramente la guitarra, y era uno de los entusiastas discípulos de Ruiz de Ribayaz, quien a su regreso a Madrid publicó en 1677, Luz y Norte Musical. En el prólogo informa, que en el Perú los músicos no sabían leer las cifras o tablatura, con excepción de unos pocos que conocían la música polifónica, pero tañían diestramente la guitarra y cantaban de memoria.

En la Biblioteca Nacional de Madrid se halla la obra publicada por Ruiz de Ribayaz, que lleva éste largo título: Luz y Norte Musical para caminar por las cifras de la guitarra española y el arpa, tañer y cantar a compás por canto de órgano, y breve explicación del arte, con preceptos fáciles, indubitables y explicados con claras reglas por teórica y práctica.
Está en la Real Academia con el nº 9402, y lo componen 168 páginas, con VIII folios.

En el libro se tratan los "tañidos de rasgado para guitarra", especificando lo relativo a jácaras, folías, pavanas, villano, zarabanda, matachín, mariona, gallarda, y canarios, danza del hacha, españoleta, bailete...
Entre las composiciones transcritas, figuran paradetas, torneo, tourdion, galería del amor, vacas y pasacalles, en algunos casos con sus diferencias.

También hay diversas composiciones para arpa, cuya cifra se ordena en cuatro líneas.

La tarantella es un baile popular del sur de Italia, de las regiones italianas de Puglia, Basilicata, Calabria, Abruzzo, Molise, Campania y Sicilia y parte de Argentina. Es un baile de origen napolitano que tiene un movimiento muy vivo, acompañado de canto. Lo más probable es que su nombre se derive de la ciudad de Tarento en Apulia, aunque popularmente se suele decir que viene de la tarántula, una araña común en la región mediterránea. Es más, durante la Edad Media, en algunas partes del sur de Italia se creía que bailar el solo de la tarantela imitando el acto de espantar a la misma curaba un tipo de locura supuestamente producida por la picadura de la mayor araña europea, la llamada araña lobo o tarántula, también se cree que se simula la técnica de apareamiento de la taratula. La primera documentación escrita se encuentra en Athanasius Kircher
En su forma moderna más común, es una danza de galanteo entre parejas con una música en un compás de seis por ocho que va aumentando progresivamente su velocidad y que va acompañada de castañuelas y panderetas. Tiene dos partes bien diferenciadas: una en tono menor y otra en mayor.

9 de julio de 2014

Emanuele Rincón d'Astorga




Emanuele Rincón d'Astorga 1680-1751[1757]

Stabat Mater para Solistas, Coro y Orquesta:

1. Stabat mater dolorosa
2. O quam tristis et afflicta
3. Quis est homo, qui non fleret
4. Eia mater, fons amoris
5. Sancta mater, istud agas
6. Fac me tecum pie flere
7. Virgo virginum praeclara
8. Fac me plagis vulnerari
9. Christe quam sit hinc exire

Ghislieri Choir & Consort
Giulio Prandi

Emanuele Rincon d’Astorga, nació el 20 de marzo de 1680 en Augusta (Sicilia), Reino de Nápoles, que a la sazón pertenecía a la Corona española; y murió en Madrid probablemente en 1757. Perteneció a una familia noble española que se instaló en Palermo.
Es conocido por su Stabat Mater, compuesto en 1707 y por sus cantatas, de las cuales han llegado a nuestros días 170.
Fue apreciado en su época no sólo por sus dotes de compositor, sino también por sus dotes como literato. En 1726 escribió y publicó un libro de doce cantatas en el que expresa la teoría de la relación entre el sonido, el ritmo y la melodía respecto a la palabra cantada.
Su primera ópera, La Moglie Nemica (La Esposa Enemiga) fue estrenada en una función privada en Palermo el año 1698.
Un tiempo más tarde discutió con su padre y dejó la ciudad donde residía para refugiarse en Roma, en casa del embajador español, donde conoció al poeta Sebastiano Biancardi, cuyas Rime (1732) contienen información sobre el Barón.
En Génova, ambos fueron robados y escribieron la ópera Dafini para obtener algo de dinero. Dafini fue estrenada con gran éxito en el Teatro Sant'Agostino. Fue representada también en otros teatros eurpeos.
Después de sus aventuras y bajo un nombre falso, Astorga fue convocado en Barcelona por el rey español Carlos III, quien era un gran estusiasta de su música; enviándolo más tarde a Viena para que trabajase como músico de la corte. 
En la segunda mitad del año 1715 regresó a Palermo para reclamar su herencia después de la muerte de su padre en 1712, llegando así a ser Barón.
Dos años más tarde llegó a ser senador de Palermo y fue nombrado governador del Ospedale degli Incurabili, siendo éste un modo de contribuir y participar en la vida cultural de la capital siciliana. Estuvo entre los fundadores de la Accademia del Buon Gusto y fue uno de los directivos del Teatro Santa Cecilia.
Se casó con Emanuela Guzzard, con quien tuvo tres hijas: Giovanna, Felicia y Maria. Pero la vida familiar duró poco, pues  en 1721 se volvió a marchar de Sicilia, tras haber gastado la dote de su esposa.
Fue posteriormente a Lisboa y al parecer pasó por Londres de camino a Bohemia. En 1744 sus tierras fueron vendidas para pagar las deudas de su esposa. 

Sus aventuras y viajes inspiraron a artistas como Johann Joseph Abert, quien compuso Astorga, ópera basada en su vida.

21 de abril de 2014

Concerti Armonici





Conde Unico Van Wassenaer (1692-1766)
Sei Concerti Armonici

The Amsterdam Baroque Orchestra
Ton Koopman

Concerto nº 1 in G major
1. Grave
2. Allegro
3. Un poco andante
4. Allegro

Concerto nº 2 in B flat major
5. Andante
6. Presto: da capella
7. Adagio affettuoso
8. Allegro moderato (mezzo forte)

Concerto nº 3 in A major
9. Grave sostenuto
10. Da capella
11. Largo-Andante
12. Vivace

Concerto nº 4 in G major
13. Largo
14. Da capella (non presto)
15. Largo affettuoso
16. Allegro

Concerto nº 5 in F minor
17. Adagio: largo
18. Da capella
19. Con sordino
20. A tempo giusto

Concerto nº 6 in E flat major
21. Affettuoso
22. Presto
23. Vivace


El conde Unico Wilhelm van Wassenaer (Delden, Holanda, 2 de noviembre de 1692 — La Haya, 9 de noviembre de 1766) fue un diplomático y compositor holandés. Su obra más importante fueron los Concerti Armonici que durante mucho tiempo fueron atribuidos a Pergolesi.
Van Wassenaer estudió leyes y otros cursos en Leiden. En 1723 contrajo nupcias con Dodnea Lucía van Goslinga, con quien tuvo tres hijos.

Entre 1725 y 1740, escribió los Concerti Armonici, pero no los publicó en su propio nombre, quizá porque era noble o porque dudaba de su habilidad como compositor. Los conciertos fueron publicados en 1740, por el violinista y compositor italiano Carlo Ricciotti, a quien fueron atribuidos dichos conciertos en un principio. Es por ello que Van Wassenaer ha sido llamado el compositor misterio.
El compositor polaco Franciszek Lessel atribuyó erróneamente estos conciertos a Pergolesi. Dado que su estilo es italiano, armados de acuerdo a la moda romana, con cuatro partes para violín en lugar de tres partes como era común en la escuela veneciana, siendo composiciones comparables a las de Giovanni Mossi o de Pietro Locatelli.
Sin embargo, en 1979 fueron descubiertos en los archivos del castillo de Twickel, lugar de nacimiento de Van Wassenaer, manuscritos de los seis conciertos, titulados Concerti Armonici. Aunque la escritura no era de Van Wassenaer, incluían una introducción de su puño y letra que decía Partituras de mis conciertos impresas por el Sr. Ricciotti. De acuerdo con las inevstigaciones hechas por Albert Dunning, no hay duda de que los Concerti fueron escritos por Van Wassenaer.

Cita del prólogo del compositor encontrada por Dunning: 

Partitura de mis conciertos, impresa por el Signor Ricciotti. Estos conciertos fueron compuestos en diferentes momentos entre 1725 y 1740. Cuando estuvieron listos, yo los llevé a la reunión musical organizada en La Haya por el Sr. Bentinck, yo y unos señores extranjeros. Ricciotti interpretó el primer violín. Después le permití hacer una copia de los conciertos. Cuando los seis estuvieron listos, me pidió permiso para imprimirlos. Tras mi negativa pidió ayuda a Bentinck y finalmente acepté, con la condición de que mi nombre no apareciese en ninguna parte de la copia y que se pusiera su nombre a la misma, como hizo. Bentinck quiso que se añadiera una dedicatoria a mí, a lo cual me negué totalmente, por lo que pidió a Ricciotti que la dedicatoria se la hiciera a él. De esta manera, estos conciertos se publicaron en contra de mis deseos. Algunos de ellos son tolerables, algunos mediocres, otros malísimos. Si no hubieran sido publicados, quizá habría corregido los errores, pero otro asunto no me ha dejado tiempo libre para divertirme con ellos y habrían causado ofensa al editor.

Concerti Armonici se encontraban entre las obras que sirvieron de base para el ballet Pulcinella de Igor Stravinsky, cuando estas obras aún estaban consideradas como de Pergolesi.

Aparte de Concerti Armonici, también fueron descubiertos en la década de1990 tres sonatas para flauta y bajo continuo.



Fuentes:
Wikipedia
Baroque Composers and Musicians

17 de septiembre de 2013

Quodlibet



Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Quodlibet BWV 524

Soprano: Agnes Giebel
Alto: Marie-Luise Gilles
Tenor: Bert van t'Hoff
Bajo: Peter-Christoph Runge

Leonhardt-Consort
Gustav Leonhardt

Quodlíbet (Lat.) "Lo que se quiera", es una composición habitualmente de carácter humorístico que combina diferentes melodías en contrapunto. Usualmente son temas populares acoplados sucesiva o simultáneamente. El término se utilizó por primera vez en Alemania en 1544 y hay dos tipos principales: el quodlibet sucesivo, en el que una voz tiene citas textuales y musicales  mientras que las otras forman un acompañamiento homofónico y el quodlibet simultáneo, en el que se combinan dos o más melodías preexistentes. Son tipos paralelos de quodlibet el Fricassée de Francia, Misticanza o Messanza de Italia, la Ensalada en España y el Medley en Inglaterra.

Un ejemplo muy conocido de Quodlibet se encuentra en el final de las Variaciones Goldberg, Variación Nº 30, de Bach. Otro ejemplo es Galimathias Musicum (KV 32), un quodlíbet a diecisiete partes compuesto por Wolfgang Amadeus Mozart cuando tenía alrededor de diez años de edad.
Este que proponemos arriba de J. S. Bach, es una procesión de diez minutos de duración que incluye textos sin sentido, bromas, juegos de palabras y parodias de otras canciones. En un punto la música imita una chacona y una fuga, y a veces mezcla deliberadamente las líneas corales. Es diferente de cualquier otro trabajo de Bach, hasta el punto de que algunos dudan sobre su autoría. (La partitura se puede ver pinchando en el título bajo el vídeo).

Otro ejemplo de Quodlibet es la obra a seis voces de Francisco de Peñalosa (ca. 1460-1528) Por las sierras de Madrid, del Cancionero Musical de Palacio, en la que el bajo canta en latín las palabras de los Hechos de los Apóstoles loquebantur variis linguis magnalia Dei (y se pusieron -los Apóstoles- a hablar en varias lenguas para alabar las maravillas de Dios) frente a las otras cuatro voces superiores cantan en castellano diferentes melodías profanas de delicado sabor popular. A su vez, todos estos textos cantados se oponen a la glosa instrumental que figura en la voz superior.





Por las Sierras de Madrid
Cancionero Musical de Palacio


Textos:

Por las sierras de Madrid
tengo d'ir,
que mal miedo é de morir.
Soy chequita y...
______________________

Enemiga le soy, madre,
a 'quel cavallero yo.
Mal enemiga le só.
______________________

Vuestros son mis ojos,
Isabel.
Vuestros son mis ojos
y mi coraçón tanbién.
______________________

Aquel pastorcico, madre,
que no viene,
algo tiene en el campo
que le duele.
_______________________

Loquebantur variis linguis
[apostoli] magnalia Dei
[Alleluia, alleluia].